Dans la voix singulière de Liane Foly, on perçoit ce sourire discret lorsqu'elle évoque ses vacances : aucune trace de transat, de club de plage ou de clichés romantiques au coucher du soleil. Simplement elle, son sac à dos, des chaussures de marche et ce besoin viscéral de partir à l'aventure, seule, pour une meilleure respiration intérieure. À 63 ans, la chanteuse acclamée pour ses titres tels que On a tous le droit et La vie ne m’apprend rien revendique une manière très personnelle et active d'habiter son temps libre. Célibataire depuis quatorze ans et sans enfants, elle aurait pu se conformer au cliché de la solitude comme carence. Mais elle en a tiré l’exact opposé : un luxe intérieur, l'appropriation entière de sa vie après des décennies sous les projecteurs – tournées, plateaux télé et disques d’or à la clé. Un art de cultiver la joie et la liberté au féminin Ses dernières confidences dans La Droguerie du sourire, paru au printemps, déploient cet art de cultiver la joie comme on entretient un précieux jardin secret. À l’écoute de ses paroles sur RTL lors de l'émission Dans ma valise, animé par Amandine Bégot, elle affirme sans détour : « Je pars tout le temps seule, je suis une vraie aventurière, une globe-trotteuse.» On l’imagine alors, dès l’aurore, sac sur le dos, foulant les pavés d'une cité étrangère, avec cette allure déterminée d’une femme en harmonie avec son propre tempo. L’énergie d’une artiste hyperactive en quête d’authenticité Contrairement à l’image stéréotypée des vacances, Liane fuyant le farniente au profit d'un rythme effervescent : randonnée, visites, exploration inlassable. Elle avoue même, malicieusement, que partir avec elle peut être épuisant. Cette vitalité, le public l’a vu éclater notamment lors de sa tournée Crooneuse, où elle revisitait avec une fraîcheur éblouissante les standards du jazz et de la variété. En coulisses, elle impose une discipline quasi sportive : sommeil maîtrisé, alimentation saine et marche quotidienne. Ainsi, ses déplacements s'apparentent à une extension naturelle de sa philosophie de vie, loin de la passivité. Son parcours personnel éclaire cette démarche singulière : ce n’est pas un hasard si elle s’attache à des lieux qui résonnent avec son histoire et ses émotions. Entre Amérique du Nord et Rome : un voyage intérieur autant qu’extérieur D’une part, sa famille établie aux États-Unis et au Québec colore ses séjours outre-Atlantique d’une résonance familiale et de retrouvailles chaleureuses. D’autre part, Rome, où elle a vécu des moments clés, s’impose comme une terre d’inspiration et de refuge. Elle partage le souvenir frappant de son premier voyage dans la capitale italienne avec André Manoukian, son ex-compagnon et allié musical, une expérience esthétique fondatrice. Son invitation à la Villa Médicis, résidence d'artistes prestigieuse surplombant Rome, fut un temps suspendu, oscillant entre retraite et rêve éveillé. Rome, peinture vivante d’histoire, d’art et de spiritualité, éveille en elle un profond attachement. L’idée d’y poser prochainement ses valises « les yeux fermés » traduit un vrai projet de vie, une quête d’enracinement choisie pour une existence déjà riche et contrastée. La solitude choisie : un manifeste subtil contre les normes sociales À travers son récit, se dessine un message puissant : le bonheur ne réside pas dans les grands frissons, mais dans les petits gestes quotidiens, dans la capacité à s’écouter et à tracer sa propre voie. Son choix assumé de partir seule résonne comme un acte d’émancipation face aux injonctions sociales dominantes qui valorisent souvent le rassemblement familial ou amical comme mesure du succès. Dans une société où la félicité se juge encore parfois au nombre de personnes embarquées à l’aéroport, Liane Foly s’impose une autre lecture, presque subversive : celle d'une femme mûre, indépendante, fière de sa solitude choisie et de ses racines personnelles travaillées, loin du regard des autres. Une artiste en perpétuelle réinvention, entre racines et voyages Les pertes récentes de ses parents ont teinté certains de ses voyages outre-Atlantique d'émotions plus profondes, presque filiales par procuration. Ce lien entre le passé et le présent nourrit sa réflexion sur l’exil volontaire, notamment romain, qui conjugue influences artistiques, spirituelles et familiales. Rome, avec ses dômes et ses ruelles éternelles, évoque pour elle un territoire idéal conciliant beauté, histoire et sacré. Cette ville lui offre un environnement à la fois vibrant et apaisant, en parfaite résonance avec son parcours et ses valeurs. En attendant ce possible « grand saut », Liane continue de partager sa créativité : sessions radios, dédicaces pour La Droguerie du sourire et projets musicaux en gestation. L’anticipation d’un album peut-être inspiré par ces escapades italiennes ou nord-américaines flottent dans l’air. Au fond, ce qu’elle appelle ses vacances se révèle être un véritable art de vivre : intensif, libre, tourné vers la découverte mais enraciné dans l’essence même de ce qu’elle est. Ce cheminement personnel et artistique démontre qu’elle est loin d’abandonner la scène, mais plutôt d’écrire une nouvelle partition pour elle-même et ses auditeurs. Liane Foly nous invite ainsi à réinterroger notre rapport à la solitude, au voyage et au temps libre, et à célébrer la richesse d'une vie choisie pleinement, loin des conventions.

Je revois encore la pente raide qui mène au Théâtre antique de Vienne, ce ruban de pierre que les spectateurs gravissent en tirant sur la rampe comme sur une corde de bateau. En bas, la ville bruisse encore d’un vendredi de juillet, les terrasses sont pleines, les glaces fondent trop vite ; en haut, c’est une autre température, presque une autre époque : la pierre romaine, le ciel qui s’ouvre et, ce soir-là, la voix de Julien Doré pour 5 500 personnes rassemblées face à la scène. Onze ans qu’il n’était pas revenu chanter ici – la dernière fois, en 2015, ils étaient 6 200 à remplir les gradins du théâtre, comme le rappelle le Dauphiné Libéré. Cette fois encore, j’ai senti la même chose dès les premières minutes : un mélange de ferveur tranquille et de curiosité tendre, cette façon qu’a le public de Doré de lui ressembler, un peu bohème, un peu rigolard, mais profondément fidèle. Un artiste loin des projecteurs, enraciné dans la scène L’artiste arrive porté par une tournée d’été dense, qui le mène de festivals en théâtres à ciel ouvert, après des mois où il avait semblé s’éloigner de la frénésie médiatique pour se recentrer sur l’écriture, la scène, et sa vie dans le Sud. Depuis ses albums "&" et "Aimée", et ses passages télé où il s’est fait le défenseur d’une douceur un peu rétive dans le paysage de la pop française, sa relation au public a pris une dimension particulière : elle montre moins une star fabriquée par un télé-crochet, et davantage un cousin un peu lunaire qu’on suit d’été en été, avec le sentiment qu’il reste, malgré les salles pleines, à hauteur d’homme. Cette discrétion volontaire, liée à son installation dans les Cévennes et à une forme de retrait médiatique, n'a pas freiné sa popularité. Au contraire, elle a renforcé le lien intime avec son public fidèle, comme l’ont montré les portraits glanés dans Libération et Le Parisien ces derniers mois, qui évoquent un chanteur qui fait primer le direct et la proximité sur l’exposition. Comme le souligne France Bleu après un concert récent, Julien Doré sait prendre son public « par la main » pour offrir une expérience scénique sincère et habitée. Le Théâtre antique de Vienne : un écrin chargé d’histoire pour une pop contemporaine Le choix du Théâtre antique de Vienne n’est pas anodin. Ce lieu, riche de deux mille ans d’histoire, impose une grandeur et une solennité uniques, qui pourrait sembler incompatible avec l’intimité fragile de la musique de Julien Doré. Pourtant, c’est précisément cette confrontation qui crée une alchimie particulière. La scénographie sobre, lanterne dorée et lignes géométriques minimalistes, laisse la place à l’émotion et à la voix, enveloppées par l’acoustique naturelle de la pierre. Le concert débute avec la première partie assurée par Chloé Antoniotti qui crée une atmosphère à la fois fragile et attentive, préparant la scène à accueillir l’univers poétique du chanteur. De fait, ce soir-là, ce n’est pas une démonstration de virtuosité qui se produit mais un échange, une communion rare dans le paysage musical actuel. Un répertoire entre classiques et nouvelles nuances Les classiques ne manquent pas de résonner dans le théâtre : « Paris-Seychelles », « Le Lac », « Coco câline » sont repris en chœur par un public connaisseur, reflet d’un succès durable. Mais Julien Doré sait aussi revisiter son propre répertoire en y insufflant une maturité et une réflexion liées à la quarantaine : la question du temps qui passe, l’écologie intérieure, la paternité évoquée avec pudeur, sans aucun effet marketing. Cette évolution artistique apparaît dans les intonations, les silences, les moments d’échange direct avec la foule où il s’autorise à la fois humour et ferveur. Il confie ainsi, dans des interviews récentes sur France Inter et dans plusieurs magazines culturels, son désir de poursuivre une œuvre musicale « qui fasse du bien » tout en assumant pleinement une mélancolie construite et authentique. Un concert comme refuge et partage La nuit avance, la foule s’illumine de centaines de téléphones, mais la vraie lumière est ailleurs, dans ce lien ténu et puissant entre scène et gradins. Le journal Le Figaro a récemment salué la capacité de Doré à transformer son capital sympathie en fidélité durable, une qualité rare dans une industrie où tout va vite et s’épuise facilement. Ce soir-là, ce sont les visages concentrés, les familles, les adolescents, les couples de toutes générations qui attestent de cette réussite artistique et humaine. Ce concert s’est imposé comme un temps suspendu, où la chanson française se montre à la fois populaire, poétique et fraternelle, dans un décor chargé d’histoire mais résolument ancré dans la contemporanéité. Vers un avenir prometteur Après cette étape du 24 juillet 2026, Julien Doré poursuit sa tournée estivale dans plusieurs festivals et salles emblématiques. Les professionnels du secteur – attachés de presse, programmateurs – s’accordent à reconnaître en lui une valeur sûre, capable de rassembler sans tapage et d’apporter une authenticité rare. Les rumeurs autour d’un prochain album s’amplifient, suggérant que ces nuits d’été servent de laboratoire pour de nouvelles créations encore à peaufiner avant d’être dévoilées au public. Le concert de Vienne a montré une artiste au calme résolu, à la fois confiant et en mouvement, prêt à prolonger une carrière bâtie sur le souffle plutôt que sur le bruit. En conclusion : un acte simple et profondément humain En redescendant la pente de pierre à la fin du concert, les conversations des spectateurs parlent d’une sensation collective, d’un partage de petites histoires, de chants qui résonnent au-delà de la nuit et de gestes échangés dans la chaleur de l’instant. Dans un monde saturé de rapidité et de commentaires instantanés, ces moments demeurent précieux, rappelant que la musique, ensemble, restaure des liens. Au Théâtre antique de Vienne, la magie de Julien Doré ne repose ni sur un scandale, ni sur une stratégie marketing, mais sur une fidélité tranquille et profonde à une idée simple : que la chanson française puisse continuer à exister, belle et grandissante, à ciel ouvert et dans le cœur des gens.

Samedi 8 août, à 21 h 30, le piano de Jeanne Cherhal résonnera au cœur du théâtre de verdure de Ramatuelle, un écrin naturel face aux pins et aux pierres baignés dans la douceur estivale du Var. Ce lieu, entre mer et soleil, est depuis longtemps une halte privilégiée pour les amoureux d’une chanson française qui sait mêler finesse et émotion. Une artiste de la scène française à un tournant décisif Jeanne Cherhal, autrice-compositrice et pianiste, s’inscrit aujourd’hui comme une figure majeure dans la continuité d’une chanson à texte exigeante et sensible. Depuis son premier album Douze fois par an au début des années 2000, elle s’est imposée avec un style authentique : des récits intimes, teintés d’ironie et d’une précision novatrice dans les paroles, sans jamais sacrifier la délicatesse musicale. Avec six albums à son actif, son parcours est jalonné d’étapes nettes et assumées, de la fraîcheur narrative aux alcôves plus mûries d’Histoire de J. ou encore L’An 40, paru en 2020, qui a marqué une sorte de bilan poétique et mélancolique avant la rupture sanitaire mondiale. Ramatuelle, théâtre d’une chanson vivante et nuancée Le Festival de Ramatuelle, fort d’une programmation exigeante, incarne une philosophie rare dans le paysage culturel contemporain : celle de la qualité mise au premier plan, quitte à afficher un prix d’entrée élevé — 72 euros cette année selon TV83 — mais en contrepartie offrir un cadre unique, où l’art de la chanson peut s’épanouir pleinement, à ciel ouvert, bercé par le souffle marin et les chants des cigales. Cette atmosphère particulière confère aux spectacles un supplément d’âme que seule une musique subtile, comme celle de Jeanne Cherhal, peut dialoguer avec. Collaboration avec Benjamin Biolay : une rencontre artistique prometteuse Un des aspects les plus porteurs de cette actualité est la collaboration entre Jeanne Cherhal et Benjamin Biolay, un des artisans les plus réputés de la scène francophone contemporaine. Réalisateur du prochain album de l’artiste, Biolay apporte sa signature tout en respectant la liberté d’expression qui caractérise Cherhal. Leur connivence artistique permet d’explorer de nouveaux territoires sonores où la chanson narrée côtoie des arrangements pop-orchestraux aux accents cinématographiques. Cette alliance offre ainsi un nouvel élan à la carrière de Jeanne, qui continue de privilégier la force épurée de son piano-voix tout en élargissant son horizon musical. Un laboratoire musical ouvert au public Sur les scènes des concerts d’été, depuis plusieurs semaines, Jeanne Cherhal mêle harmonieusement ses morceaux emblématiques avec des chansons inédites encore à l’état de brouillons. Cette entrée en matière révèle le caractère ouvert et spontané de son travail, où le public est invité à partager une sorte « d’atelier d’écriture à ciel ouvert ». Anecdotes, ajustements de paroles et moments de complicité ponctuent ces instants précieux, où l’erreur devient source de rire et de lien. Ce processus souligne aussi la confiance dans la relation artiste-spectateur, une marque distinctive de sa démarche artistique. Un héritage et une modernité conciliés Dans le paysage mouvant de la musique actuelle, où les réseaux sociaux et les tendances éphémères dominent souvent, Jeanne Cherhal incarne la permanence d’un art de la chanson à texte magnifiquement arrangée. Son œuvre traverse le temps avec élégance, parlant aux différentes générations, des parents aux adolescents, en offrant des récits universels sur le passage du temps, la famille ou les souvenirs. Son travail ouvre également une fenêtre sur un univers qui, tout en restant ancré dans la tradition française, s’autorise une modernité subtile portée par des collaborations comme celle avec Biolay. Un concert symbolique au cœur de l’été Ce rendez-vous à Ramatuelle, six ans après L’An 40, s’inscrit comme un second passage à l’âge adulte de l’œuvre de Jeanne Cherhal. Il symbolise aussi une réponse à la demande d’une chanson vivante et sincère, dans un cadre naturel et chaleureux. Malgré un prix qui reste discuté dans la région, le public manifeste un véritable engouement, témoignant d’une quête d’authenticité et d’émotions partagées. La scène du théâtre de verdure, sous un ciel étoilé et bercée par les parfums méditerranéens, promet une expérience musicale intense et intime. Perspectives futures et promesses d’un album attendu Le nouvel album confié à Benjamin Biolay, attendu dans les mois à venir, s’annonce comme la synthèse de tout ce parcours : une musique qui affirme sa liberté créative, un propos affiné et des arrangements soignés sans renier la simplicité originelle. Ce travail en atelier, révélé à travers les concerts d’été, augure d’une œuvre capable de traverser les âges, de captiver autant les mélomanes avertis que les nouvelles générations. En attendant cette sortie, la performance sur la scène de Ramatuelle se pose comme un moment charnière, un instant suspendu où une femme se raconte en musique, entre la colline et la mer, invitant chacun à un voyage intérieur et partagé.

Sur une plage corse oubliée par les touristes, baignée par le soleil oblique de fin de journée, un moment rare se partage : Thomas Dutronc, guitariste au sourire timide, confie son attachement sincère à ce coin de paradis, filmé par l'infatigable Christine Bravo. Ce duo réunit deux figures emblématiques du paysage culturel français, s'accordant à vivre une parenthèse loin du tumulte quotidien, où la Corse n'est pas qu'un décor mais une matrice intime. Un refuge familial empreint d'histoire Thomas Dutronc n'est pas un simple visiteur en Balagne, région au maquis dense et aux criques secrètes, mais un habitué de longue date, héritier d'une histoire familiale forte. Son père, Jacques Dutronc, s'était établi là il y a plus de cinquante ans, attiré par la quiétude que la Corse offre aux artistes en quête de retrait. Dès 1966, Françoise Hardy avait posé les fondations d'une maison traditionnelle à Monticello, posant le socle d'un refuge pour plusieurs générations. Ce havre est bien plus qu'un lieu : c'est un point fixe dans la vie d'un homme tiraillé entre tournées, studios et hommages familiaux. Dans cette maison tournée vers la mer, se mêlent souvenirs d'enfance, réminiscences des drames adultes et désirs de renouveau. Thomas y a passé plus de trente étés, cultivant un lien profond avec son île d'adoption qui transcende l'image superficielle de destination touristique. Une amitié de longue date, complicité ensoleillée Rencontrer Christine Bravo sur « sa » plage secrète symbolise une authenticité rare dans le monde des célébrités. Animatrice emblématique, elle a su elle aussi trouver en Corse un refuge pour cultiver la simplicité et la beauté d'instants sincères. Ces retrouvailles, immortalisées dans une vidéo devenue virale, dévoilent un échange empreint d'affection, loin des artifices du star system. Les échanges spontanés laissent transparaître une tendresse mutuelle, rafraîchissante dans son naturel. Le refus catégorique de dévoiler l'emplacement exact de la plage traduit un respect de cette intimité acquise de haute lutte. Dans un univers scolaire au tout partage numérique, ils défendent la possibilité précieuse d'un lieu secret, préservé du tourisme de masse et de la surmédiatisation. Entre musique et nostalgie : le poids de l'héritage familial Il y a quelques mois, Thomas Dutronc a traversé une période délicate marquée par la perte de sa mère, Françoise Hardy. Cette disparition a suscité de nombreux hommages et une résurgence d'écoute de son répertoire. Thomas, habituellement discret sur sa vie privée et ses émotions, a su cependant partager ce deuil avec dignité, laissant la musique parler pour lui. Dans ce contexte, la maison corse joue un rôle de sanctuaire où le chanteur trouve la force de se reconstruire. Son apparition sur cette plage révèle un homme qui, après avoir longtemps incarné l'héritier appliqué, cherche aujourd'hui à réaffirmer sa voix singulière dans la chanson française. Un nouveau look, plus rock et audacieux, accompagnerait cette renaissance artistique, marquant un virage subtil mais significatif. La Corse, un écrin pour la renaissance artistique et humaine Cet été 2026, en pleine saison touristique tendue par les enjeux environnementaux et la saturation des destinations, Thomas Dutronc et Christine Bravo illustrent une autre façon d'habiter ces lieux fragiles. Leur volonté partagée de garder cet espace secret rappelle que derrière la notoriété, des acteurs culturels choisissent la sobriété et la discrétion comme réponse à un monde trop prompt à tout dévoiler, monétiser et consommer. Leur complicité chaleureuse, ponctuée de rires et de chuchotements d'amitiés anciennes, dessine le portrait d'une saison apaisée, d'un retour aux sources simple et émouvant. Les piques-niques improvisés, les baignades solitaires et les instants suspendus au son discret d'une guitare égrènent un été qui ressemble à une douce mélodie, loin du tumulte médiatique. Conclusion : un été sans armure, les pieds dans le sable Plus qu'une simple rencontre sur une plage secrète, cette vidéo est le témoignage d'une alchimie entre l'artiste, ses racines et ses amitiés précieuses. Thomas Dutronc affirme, avec une délicieuse nonchalance, qu'on peut être héritier tout en étant libre, public tout en gardant son jardin secret. Sur cette baie corse, sous le regard complice de Christine Bravo, il incarne un été sans armure, juste celui d'un homme devenu son propre refuge.

Je me souviens très précisément de l’endroit où j’ai entendu pour la première fois « Solaar pleure » : un autoradio fatigué, un soir de pluie sur le périphérique, ces cordes presque cinématographiques qui déchiraient la nuit, et la voix de Claude M’Barali qui transformait la grisaille en poésie grave. Vingt-cinq ans plus tard, ce même morceau ressort en vinyle crème ultra-collector, et je me surprends à ressentir la même petite secousse intérieure. Le 18 septembre 2026, Warner Music France réédite en effet « Cinquième As », l’un des sommets absolus de la carrière de MC Solaar, en plusieurs formats limités, comme un hommage à un âge d’or du rap français qui continue d’aimanter plusieurs générations. Cette date, je la vois déjà entourée sur les agendas des trentenaires et quarantenaires qui ont usé le CD d’origine, mais aussi sur ceux des plus jeunes qui ne connaissent l’album qu’à travers des playlists et des vidéos YouTube. Quand j’ai commencé à vérifier cette annonce, de Hip Hop Corner à d’autres médias spécialisés, en passant par les fiches de précommande de la Fnac et de Warner, une chose sautait aux yeux : partout, le même mot revenait, « monument ». Et c’est peut-être ce que raconte le mieux cette réédition : la manière dont un disque sorti en février 2001 a pris, au fil des ans, la dimension d’un classique presque patrimonial. MC Solaar au tournant des années 2000 : une maturité artistique affirmée Pour comprendre pourquoi ce retour en bacs prend une telle ampleur, je me suis replongé dans ce qu’était MC Solaar au tournant des années 2000. Ce n’était pas seulement l’auteur de « Bouge de là » ou de « Caroline », ces tubes de la première vague rap qu’on ressort à chaque best of télé. Avec « Cinquième As », paru après une rupture douloureuse avec Polydor et une arrivée chez Warner, Solaar devient pour la première fois directeur artistique de son propre album. Il choisit ses compositeurs, alors peu connus, contrôle les arrangements, impose ce mélange de cordes quasi symphoniques et de rythmes hip-hop qui donne à l’album ses allures de bande originale d’un film intérieur. À l’époque, la presse rap comme la presse généraliste insiste sur cette bascule vers la « maturité », ce mot un peu galvaudé qui prend ici tout son sens : le disque est à la fois très accessible et d’une densité d’écriture rare. Les chiffres confirment le sentiment : double disque de platine, environ 600 000 exemplaires vendus en France, ce qui en fait l’un des disques de rap les plus vendus de l’histoire du pays. Analyse des morceaux clés et leur impact culturel Quand je parcours les archives et les rétrospectives, je tombe toujours sur les mêmes repères : « Solaar pleure » en premier single en janvier 2001, cette radiographie mélancolique d’un monde déjà abîmé par la pauvreté et les fléaux sociaux ; « Hasta la Vista », sorti en mai, qui devient son premier numéro un en France et fait danser même ceux qui prétendent ne pas aimer le rap ; puis « La Belle et le Bad Boy », qui s’envole vers les États-Unis grâce à la scène finale de « Sex and the City », avant de réapparaître dans « True Blood ». Entre ces jalons très visibles, l’album regorge de pépites – « Baby Love », « RMI », « Le Cinquième As », « Si je meurs ce soir » – qui témoignent de cette façon très particulière qu’a Solaar de manier la langue française : jeux de mots, allitérations, tendresse et gravité mêlées, le tout sans jamais céder au cynisme. La réédition 2026 : formats collector et stratégies pour différentes générations Ce 18 septembre 2026, Warner ne se contente pas d’un simple repressage discret. Je me suis penché sur le détail des formats annoncés, tel un disquaire compulsif devant son tableau Excel. Il y a d’abord cette édition internationale « Fifth Ace », un double vinyle crème, tirage ultra-limité de la version export de l’album, avec des titres exclusifs qui n’avaient jamais circulé en France dans ce format : le genre d’objet qui fera flamber les discussions de collectionneurs sur les forums spécialisés. Vient ensuite un double vinyle couleur or, en édition limitée Fnac, avec la pochette d’origine et une nouvelle gravure gatefold qui joue à fond la carte du bel objet, à mi-chemin entre souvenir d’adolescence et pièce de musée. Pour ceux qui veulent simplement retrouver le cœur de l’album sans surenchère, un double vinyle noir 140g propose l’édition standard, sobre, efficace, presque humble. Enfin, la version 2 CD Digipak, elle aussi en tirage limité, promet sur un second disque des versions rares et inédites en France, de quoi redécouvrir certains titres sous une lumière légèrement différente. Cette réédition est pensée autant pour les anciens qui veulent l’objet que pour les nouveaux venus qui n’ont jamais tenu un CD de MC Solaar entre les mains. Un contexte contemporain et l'héritage durable Ce qui me frappe, en lisant les réactions et en parlant avec quelques fans de la première heure, c’est la dimension presque symbolique de cette ressortie. Nous sommes en 2026, à un moment où le rap français se déchire régulièrement autour de la question de l’authenticité, des streams truqués, des certifications gonflées et même, désormais, de morceaux générés par intelligence artificielle. Voir revenir « Cinquième As » sous forme d’un bel objet physique a quelque chose de rassurant, presque de pédagogique : une piqûre de rappel de ce qu’est une œuvre pensée pour durer, bâtie sur des textes, une vision, une plume. Quand je réécoute aujourd’hui l’album, il n’a pas pris une ride, non pas parce qu’il serait « intemporel » au sens marketing du terme, mais parce qu’il s’ancre dans une humanité qui ne passe pas de mode : le doute, la mélancolie, le goût du jeu avec les mots et cette manière de parler du réel sans l’écraser sous le slogan. La ressortie de « Cinquième As » s’inscrit aussi dans un mouvement plus large : depuis quelques années, toute une partie de « l’ancienne école » reprend le micro, réédite ses classiques, remplit des Zénith entiers avec des tournées anniversaires. Pourtant, l’album de MC Solaar occupe une place à part, presque charnière, entre la première vague rap et une génération plus pop, plus ouverte, dont il sera souvent cité comme influence. Une invitation à redécouvrir une œuvre majeure du rap français Je me demande ce que ressentira un adolescent de 15 ans qui, en septembre, tombera par hasard sur la pochette au détour d’un rayon ou d’une recommandation en ligne, et posera l’aiguille sur « Solaar pleure » comme je l’ai fait, moi, au début des années 2000. Peut-être qu’il n’entendra pas les mêmes choses, qu’il n’aura pas les mêmes références, mais il y a fort à parier qu’il reconnaîtra, lui aussi, cette densité de langue, cette élégance discrète qui fait qu’un simple disque de rap peut, parfois, toucher au grand art. À l’heure où l’on parle beaucoup d’algorithmes et de contenus jetables, cette réédition me semble poser une question toute simple : qu’est-ce qu’on choisit de transmettre ? En ressortant « Cinquième As » avec autant de soin, Warner, mais aussi les disquaires, les journalistes, les fans qui relaient l’information sur les réseaux, font un pari : celui qu’un album de rap français de 2001 mérite d’être transmis comme on transmet un roman, une pièce de théâtre ou un recueil de poésie. Le 18 septembre 2026 sera, pour certains, un rendez-vous nostalgique, l’occasion de remettre la main sur un disque perdu au fil des déménagements. Pour d’autres, ce sera une première fois. Entre ces deux pôles, je vois se dessiner une continuité : celle d’une chanson française qui, par le rap, a trouvé une nouvelle façon d’habiter la langue, de dire le monde sans renoncer à la musicalité. Je ne sais pas encore quelle édition je choisirai – le vinyle or me fait de l’œil, mais le Digipak rempli d’inédits parle à mon côté archiviste – ; je sais en revanche que je ressentirai une petite émotion en ouvrant le blister, en glissant le disque sur la platine ou dans le lecteur. Il y a des gestes qui valent profession de foi : prendre le temps d’écouter un album entier, d’un bout à l’autre, en laissant la plume de MC Solaar faire son travail de couture fine entre passé et présent. Et si cette réédition nous invite à quelque chose, c’est peut-être à cela : retrouver, au milieu du vacarme, le goût d’une œuvre qui se reçoit dans le silence attentif, piste après piste.

Sous les étoiles d’un été charentais, le parc du château de Surgères s’est transformé en théâtre d’une émotion particulière, ce 25 juillet 2023. C’est là, au cœur du 10e Surgères Brass Festival, que Bénabar a livré un concert mêlant plaisir musical, hommage et renouveau artistique, captivant un public fidèle et curieux d’en découvrir plus sur ce chanteur emblématique de la scène française contemporaine. Un festival de cuivres en pleine effervescence Depuis dix ans, le Surgères Brass Festival célèbre la richesse et la diversité des cuivres. Pendant trois jours, fanfares et ensembles brassicoles ont vibré entre les murs anciens de la cité, insufflant une ambiance festive et conviviale. Bénabar, arrivé avec neuf musiciens pour clore l'événement, en a profité pour mettre à l’honneur justement ces cuivres qui lui confèrent une couleur unique, fidèle à son univers musical où la modernité s’allie à la tradition. « Le Soleil des absents » : un album né de la lumière dans l’ombre Ce concert s’inscrit dans la promotion de son dernier opus, Le Soleil des absents, un disque qui puise dans le deuil tout en refusant la mélancolie. La disparition de Denis Grace, ami et musicien de longue date, a profondément marqué la création de cet album. Lors d’un entretien avec Sud Ouest, Bénabar confiait : « On préparait l’album quand c’est arrivé… On a décidé de faire un disque joyeux, conscient de sa présence, de son omniprésence. » Cette posture, alliant gravité et vitalité, caractérise toute la sensibilité du chanteur, qui mêle souvent le tragique à l’humour avec une habilité rare. Le pouvoir ludique de l’écriture La chanson Les coups illustre parfaitement cette approche. À travers un jeu de mots sur différentes expressions contenant « coups », Bénabar explore le langage avec un plaisir manifeste, transformant la douleur en matière créative. Cette capacité à conserver une dimension ludique même face à la tristesse est un marqueur distinctif de son style, qui résonne auprès d’un public intergénérationnel. Une carrière généreuse et un public fidèle Plus de vingt ans séparent les débuts modestes de Bénabar, auteur de chroniques musicales de la vie ordinaire, de ses concerts dans les grandes salles comme les Zéniths. Ses classiques tels que Le Dîner ou Je suis de celles se sont inscrits dans la mémoire collective, au point d’être devenus des refrains familiaux. Aujourd’hui, avec humour, il revendique sa place dans la « playlist des darons », soulignant cette dimension affective et familière qu’il incarne auprès de ses auditeurs. Anecdotes et coulisses du concert À Surgères, l’artiste manifesta son autodérision en promettant de sortir la trompette « malheureusement pour le public », avant de rassurer sur le talent des musiciens qui l’accompagnent. Cette complicité visible crée une atmosphère chaleureuse, renforcée par l’authenticité et la proximité qu’il entretient avec son public. Son retour après quatre ans sans tournée manifeste sa détermination à renouer avec la fatigue joyeuse des concerts et à partager l’énergie vivante de la scène. Une fidélité aux racines et à la transmission Bénabar évoque avec respect les figures marquantes qui l'ont soutenu, notamment Jean-Louis Foulquier, un pilier des Francofolies. Cette fidélité à une époque où la radio et les festivals pouvaient faire éclore des talents s’accompagne d’une volonté de transmission générationnelle, en musique comme dans l’esprit. Que ce soit par ses duos, ses participations à des albums hommage, ou son dialogue ouvert avec son public, il continue de cultiver cette relation presque familiale. Une musique qui parle au cœur sans compromis Dans ses références musicales, Bénabar valorise la chanson populaire de qualité, celle qui touche sans démagogie. Il admire des titres comme Ma fille de Serge Reggiani ou Berlin de Renan Luce, démontrant l’importance qu’il accorde à l’émotion sincère et à la justesse du verbe. Cette quête d’authenticité se manifeste aussi dans ses chansons, où il aborde des thèmes parfois délicats avec pudeur mais sans renoncer à l’humour. Le concert de Surgères : un moment suspendu entre hommage et plaisir Au final, la soirée s’est imposée comme un moment fort du festival : un artiste populaire qui refuse d’être figé, porté par un album où la présence des absents éclaire d’une chaleur nouvelle l’ensemble des créations. Ce concert n’était pas seulement une performance, mais une véritable expérience de partage, une célébration de la vie et du jeu avec les mots, même face à la douleur. Perspectives pour la tournée et la suite Dans les prochains mois, Le Soleil des absents continuera de rayonner sur scène, multipliant les expériences et les clins d’œil subtils à la mémoire de Denis Grace. Bénabar, fidèle à sa manière, invite son public à poursuivre ce voyage, où le rire et la pudeur s’entrelacent avec naturel, offrant une leçon douce et obstinée, une invitation à croire que la création peut toujours être un jeu, une énergie vitale au cœur des épreuves. Cette page se tourne donc sur une note d’espoir et de continuité, fidèle à l’esprit d’un artiste qui, sans fioritures, trouve encore et toujours l’écho exact de la vie – avec ses joies, ses peines et ce brin d’ironie qui ne le quitte jamais.

Je revois encore les phares dans la nuit des années 80, quand Cargo tournait en boucle sur les radios et que le clip passait tard le soir à la télévision. Cette basse entêtante, ce phare tournant comme une promesse de grands départs. Quarante ans plus tard, Axel Bauer arrive à Nîmes, à la SMAC Paloma, le 24 octobre 2026 à 20h30, et j’ai le sentiment que le cargo n’a jamais vraiment accosté. Il a simplement changé de cap. L’annonce de ce concert, que la ville met en avant sur son site officiel et que la salle détaille avec soin sur sa propre programmation, raconte une histoire simple : celle d’un rockeur français qui n’a jamais renoncé à la scène. Plus de 3 millions de disques vendus, plus de 800 concerts, des titres devenus des repères familiers – Éteins la lumière, À ma place, Personne n’est parfait, Ici Londres – et cette étiquette d’“icône du rock français” que les programmateurs de Paloma assument sans rougir. On pourrait croire à un slogan, pourtant il suffit de regarder sa trajectoire récente pour sentir une autre réalité : celle d’un artisan qui, à plus de 60 ans, repart sur la route avec un nouvel album, Grand 8, après avoir terminé en fanfare sa tournée Radio Londres par un Olympia complet fin 2023. Axel Bauer : une carrière entre passion et engagement J’aime ce contraste : une figure quasi mythique pour une génération, et en même temps un musicien qui se décrit lui‑même comme un “artisan du rock français”. Dans un paysage où beaucoup se contentent de recycler les mêmes compilations, Axel Bauer a choisi l’option la plus risquée : continuer à écrire, composer, se frotter au présent. Pour bien comprendre cette démarche, il faut revenir sur sa période récente. La tournée Radio Londres, lancée autour de l’album du même nom sorti en 2022, a remis en lumière l’autre versant de Bauer : celui d’un conteur rock nourri de mémoire et d’engagement. En effet, son album évoque la fascination pour les voix libres pendant la Seconde Guerre mondiale, un hommage personnel lié à son père, ancien de la BBC. Cette facette plus profonde du rockeur a touché aussi bien les critiques que les fans, souvent réduits jusqu’alors à ses tubes légendaires. France Inter dans son émission Popopop saluait notamment la solidité de sa guitare et ce mélange unique de rugosité et de mélancolie qui imprègne ses concerts. Un savoir-faire rock : physique et émotion sur scène À la SMAC Paloma, Axel Bauer est présenté comme une “véritable bête de scène” et “un des meilleurs guitaristes français”. Le concert est annoncé comme un voyage à haute tension mêlant nouveaux titres et classiques intemporels. Cette confiance tranquille dans la programmation est renforcée par un souci d’accessibilité remarquable : navettes Trambus dédiées, lignes de bus adaptées et retour assuré après le concert témoignent d’un événement conçu pour un large public, au-delà des seuls amateurs de rock pur et dur. Grand 8 : un nouvel album entre contrastes et maturité Ce qui fascine le plus à l’approche de cette date à Nîmes, c’est la promesse offerte par Grand 8, le nouvel album d’Axel Bauer. Décrit comme un disque de contrastes, il alterne poussées d’adrénaline rock et ballades en apesanteur. Ce clair-obscur musical invite à un véritable voyage émotionnel, alliant tension et douceur. Les premiers concerts de la tournée ont déjà permis d’entendre ces morceaux inédits, salués pour leur vigueur et la puissance intacte du guitariste. Cela confirme la capacité d’Axel Bauer à revisiter sa carrière tout en offrant un regard neuf sur son art. En artist libre, il affirme dans une interview : “Je me sens plus libre aujourd’hui, moins obsédé par la course aux tubes, plus attentif à la cohérence de mes albums.” Cette sérénité nouvelle donne beaucoup d’espoir quant à la qualité des créations présentées sur scène. Le public : entre souvenirs et découvertes Que cherche-t-on dans une soirée avec Axel Bauer ? Pour certains, la nostalgie des années lycée, des premiers slows, des refrains entonnés en voiture. Pour d’autres, la découverte en live d’un véritable monument du rock français. Mais au-delà de ces raisons, c’est surtout une sincérité musicale qui touche profondément le public. Les témoignages recueillis après les concerts illustrent cette émotion partagée. Des articles dans Midi Libre ou Sud Ouest évoquent un “vrai moment de partage”, une intensité rare qui traverse plusieurs générations. Ce lien intergénérationnel, simple et humain, est une forme d’héritage précieux dans un monde musical souvent clivé. Une soirée à Nîmes : un rendez-vous à ne pas manquer Programmer Axel Bauer un samedi soir d’automne, à 20h30, dans la grande salle moderne de Paloma, c’est offrir un moment hors du temps, loin des écrans, à vivre pleinement en corps et en voix. Les organisateurs ont soigné tous les détails pour que ce concert soit une expérience accessible et chaleureuse. Si la setlist complète de la tournée Grand 8 reste en partie secrète, c’est aussi ce qui fait la magie de la soirée : place à la surprise, à l’improvisation, à ce silence avant le rappel qui donne à cette musique toute sa dimension émotionnelle. Au fond, la venue d’Axel Bauer à Nîmes témoigne de la persistance d’une certaine idée du rock français : fidèle à son histoire, exigeante dans sa qualité, et ouverte à la sensibilité d’aujourd’hui. Lorsque les lumières s’éteindront et que la première note claquera, ce “vieux cargo” ne sera pas à quai, mais bien en pleine mer, toujours prêt à embarquer son public pour un grand huit émotionnel et musical.

Je revois la scène en vous l’écrivant : un jeune pianiste de 17 ans, costume trop sage pour l’époque, tentant de garder son calme pendant que des pétards éclatent dans la salle et que des feux d’artifice improvisés zèbrent l’air d’une université belge. Au clavier, ce gamin qui essaie littéralement d’esquiver les projectiles tout en continuant de jouer, c’est Alain Chamfort. Nous sommes à Louvain, au milieu des années 60, et il accompagne alors Jacques Dutronc en tournée. Je découvre cette histoire en l’écoutant se confier à la RTBF dans une interview récente, à l’occasion d’un passage aux Francofolies de Spa. Cette anecdote dit tout d’un artiste qu’on a parfois rangé un peu vite dans la catégorie des chanteurs élégants, presque trop lisses : derrière le dandy aux mélodies ciselées, il y a un musicien qui a appris son métier au milieu du tumulte, des salles indociles et d’un public qui n’était pas toujours prêt à l’écouter. Une genèse mouvementée à Louvain entre tumulte et apprentissage La relation d’Alain Chamfort avec la Belgique commence sur les chapeaux de roue. Le premier cliché est celui d’une jeunesse musicale traversée par le chaos d’une salle d’étudiants à Louvain où les pétards ne cessent d’éclater. Les feux d’artifice amateurs forçaient le jeune musicien à se recroqueviller, frustration mêlée d’appréhension autour de ce piano vulnérable face à un public festif et peu réceptif. Ce contexte difficile reflète les exigences de la scène « à l’ancienne », un apprentissage rude mais formateur où l’apprenti artiste devait mériter son auditoire, coûte que coûte. Du sideman à l’artiste signé sous le label Flèche de Claude François Quelques années plus tard, la carrière d’Alain Chamfort bascule lorsqu’il intègre le label Flèche, fondé par Claude François. Ce passage marque une étape majeure où il passe de musicien accompagnateur à artiste à part entière. Bercé par l’univers organisé de Cloclo avec ses tournées, ses émissions télévisées et ses fan-clubs structurés, Chamfort découvre un écosystème propice à la construction d’un véritable public fidèle, bien souvent implanté en Belgique. La proximité culturelle et linguistique favorise cette implantation, faisant de la Belgique un refuge et un point d’ancrage essentiel dans sa carrière naissante. Le fan-club de Braine-l’Alleud, symbole d’une fidélité durable Le fan-club inauguré à Braine-l’Alleud symbolise cette relation privilégiée avec le public belge. Dans une époque pré-digitale, la fidélité passait par la correspondance, l’échange de photos et de presse. Alain Chamfort évoque encore aujourd’hui cette complicité affective nouée avec les fans, à travers des liens presque familiaux préservés au fil des décennies, une émouvante continuité dans un milieu souvent obnubilé par la nouveauté. Ce détail humain témoigne de la sincérité et de la profondeur du lien entre l’artiste et sa communauté belge. Les Francofolies de Spa : boucle bouclée après plus de cinquante ans Plusieurs décennies après ses premiers pas incertains à Louvain, Chamfort revient aux Francofolies de Spa, un festival emblématique où son répertoire intemporel résonne pleinement. Des chansons comme « Géant », « La Fièvre dans le sang », ou « Bambou » traversent les générations. Là, le dandy de la pop française n’a plus à esquiver des projectiles, mais reçoit les applaudissements d’un public devenu complice, écho fidèle d’une histoire commune riche et partagée. Un artiste fidèle à son art face aux aléas du temps La trajectoire d’Alain Chamfort se distingue également par sa modestie et son exigence artistique en des temps marqués par une volatilité digitale accrue. Contrairement aux artistes dont la carrière s'emballe puis s'essouffle au rythme des tendances éphémères, Chamfort poursuit son chemin avec constance et sobriété. Il soigne ses arrangements, choisit ses mots avec précision, préférant la nuance et l'élégance qui caractérisent sa musique depuis plus d’un demi-siècle. Une leçon d’endurance dans la chanson française contemporaine Cette fidélité à soi-même et à son public témoigne d’une autre façon d’exister dans l’univers musical actuel. La scène belge lui offre un miroir bienveillant où se reflète un dialogue silencieux et patient entre artiste et spectateurs. Cette dimension transnationale enrichit la chanson française d’une profondeur qui traverse les modes et le temps, consolidant son héritage auprès d’un auditoire exigeant mais fidèle.

Je revois très bien cette image : un soir d’hiver, Florent Pagny, bonnet vissé sur la tête, sourire en coin, qui lâche à la télévision qu’il va « se battre » contre le cancer avec la même énergie que pour ses tournées. On a tous entendu cette phrase, mais on savait peu de choses sur la coulisse de ce combat. Ces derniers jours, c’est sa femme, Azucena Caamaño, qui a accepté d’ouvrir un peu la porte. Et dans ses mots, je découvre un autre Pagny : un homme que son épouse décrit comme « une machine de guerre », un roc qui ne s’arrête jamais, mais aussi un mari et un père tenu par un fil invisible, celui d’un amour qui dure depuis plus de trente ans. Quand elle parle, Azucena ne s’attarde pas sur le mythe du chanteur, elle raconte surtout l’homme qu’elle voit rentrer tard, qu’elle accompagne à l’hôpital, qu’elle observe reprendre le micro trop vite, puis s’arrêter, par nécessité. Florent Pagny n’est plus seulement la voix des tubes, il devient, sous ses mots, cette silhouette opiniâtre, un peu cabossée, mais toujours debout, qui continue d’avancer entre la Patagonie, la France et les studios. Un couple ancré entre France et Patagonie Pour comprendre la portée de ces confidences, il faut revenir en arrière. Au début des années 1990, Florent Pagny, pourtant déjà célèbre, traverse une période de creux : carrière brouillée, image abîmée, rupture très médiatisée avec Vanessa Paradis, partie vivre à New York avec Lenny Kravitz. En 1992, alors qu’il flirte avec ce qu’il a lui-même décrit ailleurs comme un « fond du gouffre », il rencontre à un dîner Azucena Caamaño, artiste et peintre argentine, qui parle à peine français. Le décor est presque banal, mais leur histoire ne le sera pas. Loin du clinquant parisien, le couple se construit dans une forme de retrait, entre la France et la Patagonie, cette région à la fois rude et immense, perdue entre Chili et Argentine, où Pagny s’installe pour fuir la pression fiscale et médiatique. Azucena devient non seulement sa compagne, mais son ancrage. Ils auront un fils, Inca, né en 1996, puis une fille, Aël, en 1999, avant de se marier en 2006. Une complicité discrète au cœur de la tempête Pendant que le chanteur reconquiert le public avec sa mue de baryton, son retour en grâce et, plus tard, son fauteuil de coach dans « The Voice », elle reste volontairement dans l’ombre, artisan discret d’un équilibre familial et créatif. En 2013, elle lance sa propre marque de cosmétique bio, Rosazucena, avec des produits élaborés à partir d’ingrédients naturels de Patagonie, comme la rose musquée, distribués dans une poignée de points de vente en France, à Annecy, Cherbourg-en-Cotentin ou Toulouse. Derrière la star, il y a donc cette femme qui tisse une autre histoire, plus silencieuse, faite de peinture, de soins naturels et de gestion du quotidien à des milliers de kilomètres des flashs. Le combat contre la maladie dévoilé Quand le chanteur révèle publiquement son cancer du poumon au début des années 2020 et annonce l’annulation de sa tournée anniversaire, beaucoup redoutent le pire. Lui parle de protocole, d’espoir, mais souligne aussi que sa famille, et en premier lieu Azucena, est au centre de la bataille. Le documentaire « Florent Pagny – Un homme libre », diffusé en 2023 sur TF1, revient largement sur ce tournant : on y voit le couple dans leur maison en Patagonie, la nature à perte de vue, les silences lourds et, déjà, cette manière d’Azucena de ramener l’homme à la réalité tout en lui montrant que, malgré la maladie, il n’a jamais été « un chanteur fini », comme certains le susurraient au moment de leur rencontre. Azucena, la voix qui éclaire la résilience C’est précisément cette image qu’elle renverse à nouveau dans le portrait publié le 23 juillet 2026 par le site Melty, où elle décrit son mari comme une « machine de guerre » qui « ne s’arrête jamais ». Elle y rappelle combien Florent Pagny possède ce mental de battant que saluait déjà Patrick Bruel dans d’autres médias, un entêtement presque enfantin à refuser la défaite. En 2021, elle confiait au magazine Gala combien leur couple était « très complémentaire », avec « les mêmes objectifs » et cette façon de se « guider » mutuellement ; des propos que Melty reprend et éclaire à la lumière du combat contre la maladie. Ce n’est pas de la bravoure de façade : à travers différents entretiens et ce fameux documentaire de TF1, on devine un quotidien fait d’allers-retours entre traitements, rééducation, projets artistiques avortés ou adaptés, et ce besoin pour lui de ne jamais se figer. Un retour sur scène et une leçon d’humilité Quand elle affirme « je l’admire parce que c’est une machine de guerre », elle ne parle pas de ses ventes de disques, mais de sa façon de se relever d’une annonce médicale, de réapprendre à respirer pour chanter, de supporter l’incertitude sans céder au cynisme. Je suis frappé par un détail : Azucena raconte qu’au début de leur histoire, elle entendait autour d’elle que Florent était « fini ». Trente ans plus tard, les mêmes mots auraient presque pu revenir au moment où il a révélé son cancer. Or, à chaque fois, la réalité les dément : un album de baryton qui trouve son public, une place incontournable dans « The Voice », un documentaire qui dépasse largement la simple promo, une résilience qui touche des millions de téléspectateurs. La figure du chanteur se transforme, de vedette parfois contestée à celle d’un homme qui lutte, humblement, entouré des siens. Un couple soudé face aux tempêtes publiques Dans cette actualité estivale où fusent les bruits de couloir sur la santé des uns et les projets des autres, les mots d’Azucena sonnent comme un rappel simple : derrière l’icône, il y a un mari que l’on accompagne à l’hôpital, un père que ses enfants voient fatigué, un ami dont les proches louent l’obstination parfois rugueuse. Ce qui se joue ici dépasse la seule carrière de Florent Pagny : c’est l’histoire d’un couple qui a traversé les tempêtes publiques, les rumeurs, l’exil, les problèmes avec le fisc, pour se retrouver aujourd’hui soudé face à l’épreuve la plus intime qui soit, la maladie grave. Quand elle souligne qu’il « ne s’arrête jamais », je pense à ce paradoxe : c’est peut-être parce qu’elle, de son côté, sait lui rappeler quand il faut lever le pied, qu’il peut continuer d’avancer. Une foi tranquille vers l'avenir Les prochains mois diront si le baryton de la variété française remontera sur scène aussi intensément qu’avant. Mais déjà, cette prise de parole d’Azucena, relayée par plusieurs médias, dessine une autre forme d’actualité : celle d’un couple qui prend le temps d’affirmer, calmement, qu’il ne renonce ni à la vie familiale en Patagonie, ni à la scène française, ni à cette foi tranquille dans la capacité de l’homme à se tenir debout, même fragilisé. Au fond, ce que raconte Azucena, c’est qu’il n’y a pas de héros sans foyer, pas de combat sans ce lieu où l’on peut, enfin, déposer les armes. Et que la vraie « machine de guerre », c’est peut-être ce lien têtu, ce mariage construit loin du vacarme, qui permet aujourd’hui à Florent Pagny de continuer d’être, tout simplement, Florent Pagny.

La scène est encore là, très nette : ce 19 juillet à l’Olympia, Florent Pagny termine son 65 Tour, la voix un peu marquée par les traitements mais toujours droite, presque bravache. Dans la salle debout, on sent moins l’excitation d’un simple concert que la gratitude tranquille d’un rendez-vous préservé de justesse. Quelques rangs plus loin, Marc Lavoine laisse filer ses larmes pendant Caruso, soutenu par la main d’Adriana Karembeu, comme l’a raconté melty à propos de cette soirée si particulière. Pagny, lui, finit par dédier un moment à celle qui, dans l’ombre, l’a porté depuis des mois : Azucena, sa femme, « machine de guerre » selon ses mots répétés en interview, celle qui ramasse, organise, canalise. Et puis il y a l’autre histoire d’amour, plus discrète, presque en coulisses : celle de leur fils Inca, amoureux d’une jeune Argentine prénommée Mia, qui, à 29 ans, fait doucement parler d’elle dans la presse people. Je me surprends à penser, en lisant les articles et en regardant ces rares photos de famille : chez les Pagny, l’amour n’est pas qu’un thème de chanson, c’est un véritable fil conducteur, presque une méthode de survie. Un amour au cœur du parcours de Florent Pagny Pour comprendre ce qui se joue aujourd’hui autour de Florent Pagny, il faut revenir en arrière, bien avant les projecteurs de l’Olympia. En 1993, le chanteur rencontre Azucena Caamaño, artiste et mannequin d’origine argentine. Il en a souvent parlé comme d’un tournant radical, presque d’un recentrage. Ils ne se sont plus quittés depuis. De cette union naîtront deux enfants, Inca en 1996 puis Aël en 1999, et une manière de vivre qui tient de la tribu soudée et un peu nomade, entre la Patagonie, la France et le Portugal. Au fil des années, Pagny a construit autour d’eux une forteresse atypique : moins un bunker de star qu’un refuge familial où l’on apprend à conjuguer carrière médiatique et vie simple, loin du tumulte parisien. Cette alliance entre intensité artistique et profondeur des liens personnels forme l’architecture invisible mais solide qui soutient l’artiste depuis des décennies. Le combat contre la maladie : une épreuve collective Quand le cancer du poumon vient frapper en 2022, ce socle-là devient vital. Le chanteur réduit drastiquement ses projets, s’éloigne de la télévision, s’exile pour se soigner, confie moins de nouvelles. Dans les rares entretiens qu’il accepte, il martèle pourtant une idée : s’il tient, c’est grâce aux siens. Azucena, décrite par lui comme celle qui « fait en sorte que si les délires doivent exister, ils doivent exister de la bonne manière », veille à ce que le quotidien garde une forme de normalité. Inca et Aël ont grandi dans cette atmosphère de fidélité un peu radicale. La famille entière se mobilise en coulisses, montrant que la maladie n’est pas qu’un combat individuel, mais une épreuve qui crée une intensité particulière dans les relations. Un héritage affectif qui traverse les générations Rien d’étonnant, finalement, à voir aujourd’hui le fils aîné tenter de reproduire ce modèle de couple solide. Closer, relayé ensuite par plusieurs sites people, rappelle que le jeune homme partage depuis des années la vie de Mia, une Argentine au large sourire et à la chevelure abondante qui rappelle celle de sa belle-mère. On les découvre au gré de quelques photos sur Instagram : une lumière de fin de journée, un bras passé derrière les épaules, un baiser volé au bord d’un paysage de bout du monde. Pas de strass, pas de tapis rouge, mais cette simplicité qui colle bien à l’ADN Pagny. La tournée 65 Tour : un défi entre passion et limites physiques Au moment même où les magazines détaillent le bonheur d’Inca et de Mia, le chanteur boucle un Tour qui tient presque du défi physique. L’Olympia, le 19 juillet, n’est pas qu’une salle mythique, c’est une ligne d’arrivée symbolique de la vingtième date d’un 65 Tour maintes fois menacé par la maladie. Ce concert vibrant est autant un hommage qu’un témoignage de résilience. Au cœur de ce concert, il y a ce vibrant hommage à Azucena, que melty décrit comme un pilier « inébranlable ». Elle qui, dans d’autres interviews, insistait sur le côté « machine de guerre » de son mari, retourne le compliment sur scène sans être présente physiquement : il la cite, la remercie, l’inclut dans chaque victoire contre la fatigue et la peur de la rechute. Une image familiale forte : des racines et des horizons Les articles people insistent sur un détail qui pourrait paraître anecdotique : Inca serait « particulièrement heureux » dans les bras de Mia, et la jeune femme, elle aussi Argentine, partagerait avec Azucena cette même manière de porter ses cheveux, sa manière d’habiter les photos sans forcer. On pourrait sourire de ce genre de rapprochement, et pourtant j’y vois une forme de continuité douce, comme si, de génération en génération, la famille Pagny consolidait un même imaginaire de la femme forte, libre et discrète à la fois. D’autant que le couple Inca–Mia cultive, comme Florent et Azucena à leurs débuts, une grande réserve : peu d’apparitions publiques, quelques clichés tendres sur les réseaux sociaux, aucune déclaration fracassante. Ils semblent préférer les longues histoires en coulisses aux romances d’Instagram. Transmission et résilience : au-delà de la musique En suivant ces fils croisés – la tournée qui s’achève, la maladie toujours tapie, la femme aimée célébrée à l’Olympia, le fils amoureux d’une Argentine de 29 ans – je me dis que l’actualité de Florent Pagny, en cet été 2026, ressemble à une leçon de transmission. Non pas une leçon donnée depuis une estrade, mais un exemple par l’expérience. Après des années « coupé du monde », comme le raconte melty, Florent retrouve progressivement le public, mais refuse les illusions : il parle de ses limites, de la nécessité de ménager son corps, de l’importance de s’entourer. Les mêmes articles qui relatent l’émotion de Marc Lavoine à l’Olympia rappellent que ce combat contre le cancer a obligé le chanteur à revoir tous ses plans, à accepter que l’avenir ne soit plus une route rectiligne. Pourtant, ce qui transparaît, c’est une joie intacte de vivre les moments qui se présentent, d’honorer l’amour qui tient. Azucena reste ce phare discret, les enfants sont là, et Inca, à son tour, tente sa chance avec celle qui, loin des studios et des lumières, partage ses jours. Une image finale pleine d’espoir Je ne sais pas ce que deviendra ce couple, si la presse en parlera encore dans quelques années, mais j’aime cette image : dans un village de Patagonie, ou peut-être un coin de campagne française, un père et un fils échangent autour d’un asado improvisé, pendant que deux Argentines, la mère et la compagne, rient ensemble à l’autre bout de la table. La route de Florent Pagny est encore semée d’incertitudes médicales, même si les dernières nouvelles semblent permettre ce type de tournée. Mais dans cette actualité parfois rude, l’amour reste la bande-son principale. Et c’est peut-être là, finalement, la vraie nouvelle de cet été : au-delà des chiffres de vente, des pronostics de santé et des classements, ce qui tient encore, ce qui inspire ses proches comme ses fans, c’est cette fidélité obstinée à quelques repères simples – une femme, une famille, une maison à l’autre bout du monde, et désormais, un fils qui, à son tour, s’autorise à croire à une longue et belle histoire.

Je l’imagine, cabas à la main, dans les allées d’un marché londonien où flottent pourtant des parfums très français : les légumes bien rangés, les fromages un peu trop forts pour les voisins, un poissonier qui plaisante. Julien Clerc, 76 ans, star de la chanson française, y fait ses courses comme n’importe quel père de famille. Ce détail, presque anodin, révèle une profonde bascule dans sa vie. Depuis plusieurs années, le chanteur partage désormais son temps entre la France et Londres, où il réside dans une maison bourgeoise de Primrose Hill avec son épouse, la romancière Hélène Grémillon, et leur fils Léonard, aujourd’hui âgé de 17 ans. Cette demeure élégante, décrite en détail par Le Journal de la Maison en juillet 2026, est bien plus qu'une simple résidence: c'est un véritable refuge pensé pour protéger sa famille. Un ancrage londonien pour préserver l'intimité familiale Le choix de Londres ne relève pas du hasard ni d'un simple caprice. Depuis la naissance de leur fils en 2008, Julien Clerc et Hélène Grémillon ont exposé à plusieurs reprises les défis liés à la célébrité, notamment en ce qui concerne la scolarité et le quotidien des enfants de personnalités. Dans une interview historique, Julien Clerc faisait état des expériences parfois difficiles vécues par ses aînés : moqueries, harcèlement à l'école, ce qui a profondément marqué le chanteur. Cette douleur intime a fortement influencé la décision de s’installer au Royaume-Uni, offrant à Léonard une vie loin des regards insistants. À Londres, le nom de Julien Clerc n’attire pas les foules, lui permettant de redevenir un père « ordinaire » — celui qui accompagne son fils, cuisine, et flâne dans les marchés où il retrouve l’authenticité des étals français. Il confiait déjà en 2021 au micro de France Bleu fréquenter ces marchés « le mercredi, jeudi, samedi et dimanche », évoquant avec nostalgie l’ambiance des marchés de villages français. Une vie entre deux rives : entre Paris et Londres Cette vie biculturelle, mêlée d’allers-retours fréquents, est également empreinte des défis du contexte contemporain. Jusqu’à récemment, l’Eurostar facilitait ces déplacements, mais le Brexit puis la pandémie de Covid-19 ont complexifié cette organisation : contrôles plus stricts, confinements, incertitudes sanitaires. Face à ces contraintes, Julien Clerc a décidé de mieux définir ses attaches, choisissant Londres comme havre familial et Paris comme scène artistique. Ce choix s’est accompagné d’un dépouillement matériel symbolique : « J’ai tout vendu. Il me reste un bateau que je pense revendre. Il n’y a que mon piano qui nous suit », a-t-il confié. Ce piano, élément central de sa vie musicale, est désormais installé à Primrose Hill, comme un témoin fidèle de sa carrière et de son histoire personnelle. Cette simplicité choisie reflète son désir de recentrer ses énergies sur l’essentiel : la famille, la musique et quelques repères solides loin du faste et du paraître. Londres, un atelier artistique et un foyer paisible À Londres, Julien Clerc ne s’absente pas totalement de la vie publique française. Il continue de composer, répéter, préparer ses tournées et albums depuis cette maison discrète, dotée de jardin et court de tennis. Les critiques et médias français comme Franceinfo, Paris Match ou Le Figaro Culture suivent régulièrement ses actualités scéniques et musicales, pointant souvent cette nouvelle étape de sa vie professionnelle. La routine londonienne, faite de lectures, de repas en famille, et d’une vie à distance des projecteurs, lui permet de recharger ses forces entre sessions parisiennes animées. Une sagesse au diapason d’une vie protégée Ce rythme entre exposition publique et vie privée paisible semble traduire une maturité acquise au fil des ans. Julien Clerc, qui chante depuis toujours la douceur, la fragilité et la complexité des émotions humaines, a choisi une posture qui protège la jeunesse de son fils et préserve ses proches, tout en continuant à nourrir une carrière fructueuse. Le contexte sanitaire et politique récent a confirmé l’urgence de ce recentrage. Désormais, il affirme avec sérénité : « J’ai un pied à Londres, un pied à Paris. » Cette dualité est pour lui plus qu’une formule pratique, c’est un véritable équilibre de vie. La transmission entre deux cultures Un autre aspect de ce choix réside dans la volonté de transmettre une double appartenance culturelle à son fils Léonard. Vivre à Londres offre à l’adolescent l’opportunité d’évoluer au sein d’un environnement anglophone, tout en restant profondément ancré dans la culture française à travers ses parents et leur univers artistique. Cette ouverture lui permet de bénéficier d’un horizon large, libre des contraintes liées à la notoriété en France et de s’épanouir dans un cadre bienveillant. Ce métissage culturel s’inscrit dans une tradition familiale où la musique, la littérature et les voyages occupent une place centrale. Un regard sur l’héritage artistique de Julien Clerc Julien Clerc a marqué la chanson française depuis les années 1960 avec des titres emblématiques et une voix reconnaissable entre toutes. Ses œuvres ont influencé plusieurs générations d’artistes et continuent d’être célébrées. Cette dernière phase de sa vie s’accompagne d’une relecture de son répertoire, avec des concerts revisitant ses classiques et des projets d’enregistrement mêlant nostalgie et modernité. Son piano, véritable compagnon de route, symbolise cette continuité entre passé et présent. Il représente aussi l’âme de l’artiste, qui trouve dans la musique un refuge et un véhicule pour exprimer sa profondeur émotionnelle. Une modernité paisible et ancrée Au-delà de la simple protection familiale, ce choix londonien illustre une façon moderne d’envisager la carrière d’artiste, conciliant notoriété, vie privée et bien-être. Dans un monde où la célébrité peut rapidement devenir pesante, Julien Clerc a su inventer un modèle personnel de réussite et de sérénité. Cette posture invite à repenser la notion même de vie publique, en prônant une forme de discrétion choisie, une recherche d’essentiel et une écoute attentive des proches. À l’heure où il s’apprête à poursuivre ses tournées en France et à composer de nouveaux morceaux dans le calme de sa maison londonienne, Julien Clerc incarne une génération d’artistes qui, tout en honorant leur passé, savent nourrir leur présent de manière apaisée et authentique.

J’imagine déjà la scène : au détour d’une vitrine sage du musée Bernard-d’Agesci, à Niort, un buste académique affublé d’un imperméable rose bonbon, un coin de salle envahi de dessins naïfs et d’objets trouvés, un haut-parleur qui murmure une rengaine absurde sur fond de flûte à bec. Derrière cette petite révolution poético-burlesque annoncée, un nom s’impose : Philippe Katerine. Pour les 20 ans du musée niortais, l’enfant du pays – il est né à Thouars, à une heure de route – a été invité à imaginer une exposition carte blanche, visible du 16 septembre au 31 octobre 2026, comme l’a annoncé la communauté d’agglomération du Niortais dans les colonnes de la Nouvelle République. J’y vois tout de suite plus qu’un simple « coup » de communication : une manière très concrète de faire entrer l’esprit décalé de la chanson française contemporaine au cœur d’un musée généraliste, hybride, mi-beaux-arts mi-musée d’histoire naturelle. Un musée en quête de modernité et d’audace À Niort, ce Bernard-d’Agesci ouvert en 2006, déjà habitué aux ponts entre sciences, arts décoratifs et beaux-arts, avait présenté ces dernières années des expositions ambitieuses. Parmi elles, la mise en valeur de ses collections permanentes et des projets innovants comme celui autour de l’artiste Daniel Mar et de ses œuvres en papier avaient montré une volonté d’explorer des formats variés. L’arrivée récente d’un nouveau directeur, Grégory Pagano, préparait déjà le terrain à ce genre de croisements plus audacieux entre patrimoine local et création contemporaine. Philippe Katerine : du musicien touche-à-tout à l’artiste plasticien Je repense au parcours sinueux de Philippe Katerine, à cheval entre chanson, cinéma et arts plastiques, et tout s’imbrique naturellement dans cette carte blanche. L’auteur de « Louxor j’adore » n’a jamais caché son amour pour le dessin et la peinture ; il a déjà exposé ses œuvres, notamment à Paris ou à Nantes, et publié des recueils de dessins très personnels. Le voir convoqué dans un musée municipal des Deux-Sèvres, c’est presque un retour aux sources, une manière de renouer avec cette France de l’Ouest discrète dont il a gardé l’accent, l’ironie tendre et la fantaisie un peu provinciale. Selon l’annonce de la collectivité niortaise, relayée par la Nouvelle République, il sera en résidence une dizaine de jours sur place pour créer des œuvres originales – dessins, peintures, sculptures – et imaginer des mises en scène avec la complicité de l’artiste Philippe Eveno. Ce dernier, peintre et plasticien familier des installations in situ, a déjà travaillé sur les jeux d’échelle et de perception dans divers lieux d’exposition ; savoir qu’il se glisse dans l’aventure me fait penser que ce ne sera pas simplement une suite de tableaux accrochés aux murs, mais plutôt un parcours narratif, presque théâtral, au milieu des collections permanentes. Allier patrimoine local et innovation culturelle La ville de Niort a l’habitude d’explorer des formats innovants avec ce musée, qu’il s’agisse de visites théâtralisées pour mieux faire connaître la figure de Bernard d’Agesci ou de projets numériques comme le Hackathon Musées 3.0, qui invitait déjà les habitants à s’approprier les lieux. Avec Katerine, ce sont cette fois les codes mêmes de la respectabilité muséale qui risquent d’être détournés : lui qui a décroché un César du meilleur acteur dans un second rôle pour « Le Grand Bain » en 2019 et qui a marqué les esprits lors de la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de Paris 2024 par une apparition joyeusement déconcertante, débarque ici sur un terrain presque intime, à taille humaine. La critique médiatique a souligné ce mélange unique de naïveté et de profondeur qu’il offre au public, le rendant accessible et attachant. Ce mélange est un atout précieux pour un musée local cherchant à renouveler son public. Une invitation à la création locale et collective Ce qui me frappe le plus dans cette carte blanche, c’est justement la place laissée aux autres. La communauté d’agglomération lance un appel aux artistes de la région – amateurs comme professionnels – pour participer à une présentation collective dont une salle entière sera consacrée aux œuvres retenues, choisies par Philippe Katerine lui-même via un appel à candidature tout l’été. Autrement dit, le chanteur-plasticien ne vient pas en star solitaire ; il arrive comme un curateur bienveillant, prêt à tendre la main à celles et ceux qui bricolent, sculptent, peignent dans des ateliers parfois précaires du Poitou. C’est une démarche qui s’inscrit dans un mouvement plus large d’ouverture des musées à leur environnement immédiat, inspiré par des projets participatifs dans d’autres régions de France. En rapprochant art contemporain, chanson française et patrimoine local, cette initiative devrait encourager des publics souvent éloignés des musées à se sentir chez eux dans ces espaces. Un pari culturel encourageant pour l’avenir Dans une époque agitée, où l’on réclame à la culture d’être à la fois rentable, divertissante et irréprochable, ce pari niortais sur le grain de folie d’un artiste profondément enraciné dans la pop française ressemble à une forme de confiance. Confiance dans le public, capable de se laisser surprendre. Confiance dans un artiste qui ne prend pas les gens de haut. Et confiance, aussi, dans l’idée qu’un musée peut rester un lieu de transmission et d’émerveillement sans renoncer à un peu de fantaisie. En attendant septembre 2026, nombreux seront les curieux et passionnés à suivre les communications du musée Bernard-d’Agesci et de la Communauté d’agglomération du Niortais, espérant que cette collaboration inédite marque le début d’une nouvelle ère d’échanges vivants entre musées, artistes et habitants.